今年最具影响力的艺术家吸引了数量史无前例的观众来到美术馆、引发了前所未有的激烈讨论、成为 Instagram 网红展或是创下惊人的拍卖记录。有些艺术家运用创新的数字科技，而有些则将千百年来的传统工艺推向新的高度。他们照亮了我们当下生活的这个分裂的时代，向我们展示团结的力量。这些上榜艺术家，有些已是家喻户晓的名字，有些则相对名不见经传，有些如今已经去世却持续启发我们——尽管他们只代表了我们在过去的一年见证的艺术的极小一部分，但却让我们大体感知到过去12个月发生了什么，以及我们即将面对怎样的未来。
Kara Walker 的大型委托项目一向不会令人失望，她在泰特现代美术馆涡轮大厅的作品也不例外。Walker 的作品中往往透出一种紧迫感和变革的力量，她从不停止推动自己更进一步重新发掘自己，以实现更加有预见性的表达模式。在为泰特创作的《Fons Americanus》（2019）中（展出持续到2020年4月5日），Walker 将一座40英尺高的喷泉带到涡轮大厅这处大而深的空间。
Installation view of "From Black and White to Living Color: The Collected Motion Pictures and Accompanying Documents of Kara E. Walker, Artist" at Sprüth Magers, London, 2019.
Artwork © Kara Walker.
Photo by Stephen White.
作品力图唤起对跨大西洋的奴隶贸易的悲惨历史和这段历史遗留下的种族歧视余毒的反思。作品中充满了 Walker 对艺术史人物的致敬，比如 Winslow Homer 和 Sandro Botticelli，却用恐怖而令人心碎的描绘令观众汗毛直立。
在2019年联合国气候大会上，Olafur Eliasson 被任命为联合国亲善大使。这位丹麦-冰岛艺术家以他关注环境的作品著称，在这个新的身份中，他将大力宣传气候行动以及联合国可持续发展目标。
Still from Abstract.
Courtesy of Radial Media.
Eliasson 在泰特现代美术馆的重磅展览“In real life”继7月开幕以来吸引的访客数量达到日均2500人。展览在2020年1月闭幕，届时将在2月巡展到古根海姆毕尔巴鄂分馆。
2019年特纳奖的得主并不是单独一位英国艺术家。在颁奖典礼前，四位入围决选的艺术家——Lawrence Abu Hamdan、Helen Cammock、Oscar Murillo 和 Tai Shani——组成了共同体，取名 Abu Hamdan / Cammock / Murillo / Shani。他们联合要求评委会不要只把奖项颁给一位艺术家。“在当下英国和全球的政治危的时刻之下，”四位艺术家在一封信中写道，“当已经有太多分裂社会、孤立人们和某些群体的因素时，我们感到强烈的动力，认为应该利用大奖评选的机会以共同性、多元性和团结之名合力表态。”评委会一致通过了这一请求。
Oscar Murillo, installation view of Collective Conscious, 2019.
Photograph by David Levene.
Courtesy of the artist andTurner Contemporary.
2019年，一位遁世的20世纪早期的瑞典女性神秘主义者打破了古根海姆美术馆的访客流量记录。超过60万访客涌入美术馆参观展览“Hilma af Klint: Paintings for the Future”。而这不仅是因为这位艺术家不同寻常的故事，还有她非凡的创作和技艺。
Hilma af Klint
Group VI, no 15. Evolution Series WUS,Seven Pointed Star, 2018. CFHILL.
如果说威尼斯双年展是艺术界的奥林匹克，那 Arthur Jafa 将奥运金牌带回了家。他的影片《The White Album》（2018）获得了今年双年展的最高荣誉金狮奖。作品是 Ralph Rugoff 策划的核心展览的亮点。
在2018年末的 Antwaun Sargent 为 Artsy 撰写的一篇文章中，这件作品被描述为“将近半小时的挪用音乐录影带、中心监控录像和手机录像镜头、网络疯传视频和纪录片片段的拼贴作品——通过剪辑形成了一部颇具叙事效果的散文式电影，将白人世界呈现为在一场接一场的狂野、反复无常的关于种族和权力的噩梦中的肆无忌惮的孩童。”
Arthur Jafa, installation view of The White Album, 2018.
Photo by Francesco Galli.Courtesy of the artist andGavin Brown's Enterprise,New York / Rome.
Jafa 在和 Sargent 的访谈中解释道，他“试图将我和这些议题之间的关系以更复杂的方式呈现，而不仅仅是对白人世界的是与非作出评判这么简单。我感兴趣的并不是谁对谁错，我感兴趣的是：这就是我处在这种关系中所经历的感受。”
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99岁的委内瑞拉画家 Luchita Hurtado 证明了成功最终会降临在耐心等待的人身上，2019年便是她迟来的突破之年。
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Luchita Hurtado
Untitled (Birth Print A), Untitled (Birth Print B),
Untitled (Birth Print C), 2019. Hauser & Wirth.
今年，Hurtado 迎来了一个接一个的艺术生涯的里程碑。豪瑟沃斯画廊（在2018年末开始代理 Hurtado）在纽约空间呈现了一场典雅的回顾展“Dark Years”，呈现了 Hurtado 早期的具象和抽象作品。伦敦的蛇形画廊也为她举办了迟来已久的英国首展“I Live I Die I Will Be Reborn”——这也是她在整个欧洲范围内的首个美术馆回顾展。展览将旧作和艺术家新近完成的绘画同台展出。艺术家的高龄并没有让她放慢脚步，她至今仍然敏捷活跃，魅力四射，在她位于加州 Santa Monica 的家中孜孜不倦地创作。
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或许没有比东京艺术团体 teamLab 更好的案例可以同时呈现当代艺术的当下和未来了。2019年8月，新闻报道这个日本艺术团体在东京 Mori 大厦大受欢迎的美术馆在开幕第一年迎来了超过200万名访客，成为了最受欢迎的为单个艺术家而成立的美术馆。10月，teamLab 宣布将在上海和澳门成立两处新空间。
teamLab 精明的生意头脑和票房吸引力让他们很容易被归入包括《雨屋》（2012）和冰淇淋博物馆在内的沉浸式艺术体验中——但 teamLab 的创作同时和艺术史中的重要时刻紧密相连。“尽管数字技术意味着求新，但体验式艺术的概念却并不新鲜”。佩斯画廊的执行副总裁 Peter Boris 将 teamLab 的项目和光与空间运动的艺术家联系在一起，比如 James Turrell、Robert Irwin 和 Mary Corse。但 teamLab 的作品非常平易近人，让对传统美术馆望而却步的公众很容易参与。
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Installation view of "Mori Building
Digital Art Museum: teamLab
Borderless," 2018, Odaiba, Tokyo.
© teamLab. Courtesy
of Pace Gallery.
尽管 teamLab 作为拍照背景的网红地位无可否认，但他们最优秀的装置作品同时也是依靠精巧技术打造的奇境。有些，比如《The Sculpture of Time Distortion in a Mirror》（2019）使用简单的材料——光与雾——营造出引起幻觉的效果。其他作品则加入了手机应用以让艺术体验更加游戏化，或是触控式球体营造出适合儿童的带有视觉和声效的奇幻世界。
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Sterling Ruby 今年在美国和欧洲展出的雕塑、绘画、陶艺和一条新的时装线可以让他参选“年度文艺复兴大师”的评比。2月，达拉斯 Nasher 雕塑中心为 Ruby 的混合媒介作品举办了一场大规模展览，展出作品包括庞大的陶瓷水盆和户外火炉，巨大的滴着血红色聚酯胺树脂的巨大茶杯。同月，在加州，Ruby 揭幕了他为 Coachella 谷的 Desert X 展览创作的闪闪发光的橙红色雕塑；还在 Sprüth Magers 画廊的洛杉矶空间举办了一场名为“Damnation”的充满骷髅的展览。这些怪异而惊悚的头颅由树脂、玻璃纤维、铝和纱线制成，带有尖利的牙齿、色彩鲜艳的眼球和霓虹色头发。
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Installation view of
"Sterling Ruby" at the
Institute of Contemporary
Art (ICA) Miami, Florida.
Photo by Fredrik Nilsen
Studio. Courtesy
of Gagosian.
2019年终，Ruby 迎来了他的首个美术馆回顾展。这场展览于11月在迈阿密当代艺术中心开幕，成为了在巴塞尔艺术展迈阿密海滩展会期间的重要“景点”，展览将在2020年2月巡展到波士顿当代艺术中心。
从市场的角度来说，今年没有几位艺术家能和奈良美智相提并论。仅仅在10月一个月内，他的作品就在拍卖上出现了63次。有些拍品，比如限量版产品——包括玩具、盘子和便携收音机——在低位四位数价格范围内。与此同时，在香港苏富比的拍卖上，奈良美智的大幅绘画《Knife Behind Back》（2000）远远超出了640万美元的预估价，以2490万美元的惊人价位成交。这一结果是他今年五月在佳士得春拍上创下的440万美元拍卖纪录的五倍之多。
Ceramic works by Yoshitomo Nara, 2018.
© Yoshitomo Nara. Courtesy of
Blum & Poe, Los Angeles/New York/
Tokyo and Pace Gallery. Photo by Richard
Goodbody. Courtesy of the Japan Society.
在拍卖之外，奈良美智在过去一年里也举办了不少展览，包括在南法 Château la Coste 的个展和在纽约日本中心的为期一年的项目。但真正为他的市场注入动力的机构支持，或许是洛杉矶郡立博物馆宣布将在2020年4月举办一场奈良美智30年创作生涯的大型回顾展。
Met Breuer 今年夏天举行的 Mrinalini Mukherjee 展览将这位印度艺术家现象级的大型编织作品引介给了纽约的观众，并且广受好评。这场展览由大都会艺术博物馆南亚艺术部门的助理策展人 Shanay Jhaveri 策划，是艺术家在美国的首次大规模展示。
Installation view of "Phenomenal
Nature, Mrinalini Mukherjee"
at The Met Breuer, 2019.
Courtesy The Metropolitan
Museum of Art.
Mukherjee 作品的惊人规模和品红和锈色的色彩鲜明的纺线十分夺目，从神话中汲取灵感，将纺织作为一种令人敬畏的史诗般的创造赫然呈现在观众面前。
三月，Michalene Thomas 拍摄政治活动人士、艺术家和知识分子的图像登上了《Out》杂志的封面。Thomas 镜头捕捉的 Miss Major Griffin-Gracy、Barbara Smith、Tourmaline、Alicia Garza 和 Charlene Carruthers 的图像光彩照人，色彩丰富并且充满了风格各异的图案。《Out》的封面并非 Thomas 今年拓展到艺术界之外的唯一尝试：她还为《纽约时报杂志》拍摄了网球明星 Venus Williams，为奢侈品牌 Dior 设计了一款珠宝和图案装饰的风格鲜明的手包，还与设计师 Grace Wales Bonner 合作，重新打造 Dior 经典的 Bar Jacket 外套。
Mickalene Thomas,
October 1975, 2019.
© 2019 Mickalene Thomas /
Artists Rights Society (ARS),
New York. Courtesy of the artist.
Thomas 的艺术创作也没有停歇，今年举行的几场个展包括在巴黎 FIAC 艺博会上 Galerie Nathalie Obadia 的展位，新奥尔良当代艺术中心，以及在巴塞尔艺术展迈阿密海滩展会期间开幕的 The Bass 举行的“Better Nights”。她还在巴尔的摩艺术博物馆揭幕了一件大型场地特定装置。五月，她的绘画《Just a Whisper Away》（2008）在佳士得纽约举行拍卖，以远远超出10万美元高位预估价的49.5万美元高价成交——创下了她作品的价格纪录。
尽管 KAWS（Brian Donnelly）将自己标榜为街头艺术家，但他去年开始在画廊世界愈发受到认可。他的市场也日益膨胀，不断拍出惊人的高价：今年年初，一幅辛普森主题的绘画拍出了1480万美元，刷新了他的价格纪录；五月，一幅2012年的海绵宝宝绘画在富艺斯拍出近600万天价（包含佣金）。但2019年对 KAWS 来说不仅仅是价格突破的一年。
KAWS, TAKE, 2019.
Photo by Jonty Wilde.
Courtesy of the artist.
尽管 KAWS 色彩大胆、天马行空的绘画和对流行文化人物的挪用仍然经常成为艺评人鄙视的对象，但一场大型机构展览开始迫使艺术界重新评估 KAWS 的创作。他的代理画廊 Skarstedt 确保 KAWS 的作品与大师级人物的作品比肩展示，比如德国艺术家 Albert Oehlen。底特律当代艺术博物馆今年为 KAWS 举行了一场个展。尽管展览频频，KAWS 却始终保持丰富的跨界活动。比如，他和优衣库联合推出的合作系列引发了大规模抢购。
在今年秋季的短短四天之内，Nan Goldin 先后上榜《ArtReview》杂志评选的年度艺术权力榜单并排名第二；举行了一场新展开幕；还在维多利亚与阿尔伯特美术馆进行了抗议。
Nan Goldin, Sirens, 2019.
Courtesy of the artist and
Marian Goodman Gallery
New York, Paris, and London.
Goldin 为了抗议 Sackler 家族而建立起了活动团体 Prescription Addiction Intervention（简称 PAIN），Sackler 家族企业被指控助长类鸦片药物危机，Goldin 成立 PAIN 的使命是抗议顶级美术馆接受该家族的捐款。她的积极活动帮助促成了改变。今年，对该家族的法律指控不断，而 PAIN 的抗议活动也愈演愈烈。随之而来的，包括伦敦国家美术馆、泰特美术馆、古根海姆博物馆和大都会艺术博物馆在内的机构纷纷宣布不再接受 Sackler 家族的资金。7月1日，Goldin 在巴黎卢浮宫博物馆领导了一场抗议活动，几周后，博物馆响应了抗议者“把 Sackler 的名字从美术馆清除”的要求。秋天，Goldin 首次将 PAIN 带到英国，而这只是一个开始。
Michael Rakowitz 宣布拒绝参加2019年的惠特尼双年展的决定引起了全国范围内对私人美术馆筹款来源的广泛争议。
2018年11月，《Hyperallergic》报道了由 Warren Kanders 任总裁的 Safriland 公司生产的用于美墨边境移民的催泪弹，Kanders 是惠特尼美术馆的副主席。不久后，美术馆的员工便组织了抗议活动，活动群体“Decolonize This Place”于12月加入了抗议。这场对抗的激烈程度在今年2月达到了新高度：《纽约时报》报道了 Rakowitz 拒绝了策展人 Jane Panetta 和 Rujeko Hockley 参加双年展的邀请。
Michael Rakowitz, The invisible enemy
should not exist, 2018, commissioned
as part of the Mayor of London Fourth
Plinth Programme.
Photo by GLA
/ Caroline Teo.
Rakowitz 的创作长期以来关注社会议题，经常重造或利用伪造古董。即便他的作品没有在双年展上展出，他的精神却影响了整场展览。
12月，Rakowitc 再次登上头条，这次事件聚焦了纽约 MoMA 董事成员不道德的商业活动。他要求 MoMA PS1 将他的影像作品《Return》（2014年至今）从展览“Theater of Operations: The Gulf Wars 1991-2011”中撤除。
夏天，伦敦的白教堂画廊为 Rakowitz 举行了一场个展。九月，艺术家赢得了 Nasher 雕塑大奖的10万美元奖金。今年，他的创作连同积极的政治活动为他获得了广泛的尊敬。
“澳大利亚的沙漠画家”，是高古轩画廊为原住民艺术家举行的一场非销售的大型展览，画廊为来自澳洲原住民群体的抽象绘画引来了新的关注。Emily Kame Kngwarreye 或许是其中最受赞誉的画家。在她的一生中，Kngwarreye 画布上的圆点、旋涡和交缠的线条唤起观众对有机形态、地形图和夜空的感受。
Emily Kame Kngwarreye
Untitled, 1990. Utopia Art Sydney.
12月，纽约苏富比将举行首场原住民艺术拍卖，显示出对美国藏家对此流派作品的兴趣的信息。两幅 Kngwarreye 的两幅绘画得到了最高估价：《无题》（1990）拍前预估价位25-30万美元，《Summer Celebration》（1991）拍前预估价在30-50万美金。包括 Steve Martin，Dennis 和 Debra Scholl 夫妇等顶级藏家的支持，通过巡回展的形式帮助 Kngwarreye 和其他原住民艺术家建立起了市场认知度，让全国更多观众看到他们的作品。
Rugilė Barzdžiukaitė、Vaiva Grainytė 和 Lina Lapelytė 在今年的威尼斯双年展立陶宛馆上演了一场不同寻常的歌剧表演，在他们最终斩获了金狮奖之际，三人组迅速在全城和全球艺术界引起轰动。三人聚集了各自在艺术、电影制作、戏剧、音乐和写作方面的才华，合作创作了《Sun & Sea (Marina) 》（2019），作品是对气候变化的探讨，令人焦灼的同时却散发出幽默感。
Installation view of Rugilė Barzdžiukaitė,
Vaiva Grainytė, and Lina Lapelytė, "Sun
& Sea (Marina)," 2019, for the Lithuania
Pavilion at the 58th Venice Biennale, 2019.
Photo © Andrej Vasilenko.
作品有着电影的质感、迷人的声线和狡黠的台词，并且切中时代的要害。在威尼斯，热情的观众要排队长达数小时才能亲身体验这件红遍 Instagram 的作品。尽管探讨气候变化议题的艺术作品往往气氛压抑，但三位艺术家却向我们展示出如此深重和紧迫的危机可以通过意想不到的轻快方式呈现——在这件作品中，艺术家通过令人感同身受的表演带来一场感官体验，结尾处传出了天使般的声音唱出的优美旋律和海洋的气息。
十月，Doris Salcedo 赢得了Nomura 艺术大奖的100万美元奖金，这是当代艺术界奖金最高的奖项。这位生于哥伦比亚的艺术家因其描绘战争和暴力的令人触目惊心的雕塑和她无畏的创作手法而入选。“Doris Salcedo 从不畏惧变化，而是决意成为促成改变发生的人，”Nomura 的资深总监 Hajime Ikeda 在颁奖声明中如是评价。
Doris Salcedo,
Fragmentos, 2018.
Photo by Juan Fernando Castro.
Courtesy of White Cube.
Salcedo 今年在波哥大展出的公共艺术作品《Fragmentos》（2018）也引起了广泛关注，这件作品是针对哥伦比亚长达五十年的战乱创作的“反纪念碑”。作品由1296块钢瓦组成，这些钢是原属于叛军的步枪融化得来的，在2016年的和平协议之后被收缴。随着战争可能重演的威胁变得紧迫，有关这件作品的争议也在今年秋天爆发。但 Salcedo 坚持站在自己的作品一边，作品传达的信息在当下显得更加危急。
近年来，没有哪几位艺术家比 Isaac Julien 对影像艺术的推动起到更重要的作品。而他的努力似乎在2019年开花结果。Julien 的10屏影像作品《Lessons of the Hour》（2019）戏剧化地讲述了19世纪的学者和活动家 Frederick Douglass 一生中的事件，展现了极为丰富的细节和影像的魅力。作品三月在纽约 Metro Pictures 画廊展出，并将继续巡展到纽约州的 Rochester 和乔治亚洲的 Savannah。今年也是 Julien 的突破性作品的30周年纪念：他1989年创作的对哈莱姆文艺复兴运动的颂歌《Looking for Langston》今年在泰特美术馆和 San Antonio 全新的 Ruby City 美术馆展出，并在纽约 Performa 期间举行了特殊展映。
Isaac Julien, New Yemanja, A Marvellous Entanglement, 2019.
© Isaac Julien. Courtesy
of the artist and Victoria
Miro, London / Venice.
草间弥生为梅西百货感恩节游行特别定制的作品《Love Files Up to the Sky》是游行今年最大的亮点。即便这件气球作品没能升空，今年却是对草间弥生有重要意义的一年。
11月初，她的展览“Every Day I Pray for Love”在纽约卓纳画廊西20街的空间开幕，展出了全新的“无限镜屋”。她在卓纳的上一场展览吸引了75000位访客，而这件最新的 Instagram 网红作品预计将吸引突破10万人次的观众前来拍照。
Yayoi Kusama, installation
view of All the Eternal Love
I Have for the Pumpkins,
2016, ICA Miami, 2019.
© Yayoi Kusama.
Courtesy of ICA Miami.
今年，在美国多家美术馆展出的“无限镜屋”让草间弥生再次登上新闻头条。波士顿当代艺术中心目前正在展出她的《Love is Calling》（2013），《无限镜屋———我的心向着宇宙深处舞蹈》（2018）10月成为了 Crystal Bridges 美术馆的永久展示作品；由沙特皇室所有的《All the Eternal Love I Have for the Pumpkins》（2016）目前正在迈阿密当代艺术中心展出。
五月，Jeff Koons 的《兔子》（1986）雕塑在佳士得春拍上以9100万美元成交，这让他再度成为了最贵的在世艺术家——在短暂地让位给 David Hockney 之后，他重新夺回了这一宝座。但 Koons 今年的突破不仅仅是市场，他饱受争议的雕塑作品《Bouquet of Tulips》在巴黎揭幕。这件作品是他对法国与美国之间友谊的致敬，尽管争议重重，却都助长了作品的知名度。
Jeff Koons, Bouquet
of Tulips, 2016-19.
© Jeff Koons. Photo
by Luc Castel. Courtesy
of Noirmontartproduction.
除了拍卖和艺博会上的成绩，还有在塞纳河畔的装置，今年 Koons 还举行了两场美术馆大型展览。他在牛津大学的 Ashmolean 美术馆策划了自己的个展，和杜尚的作品并置的双人展成为了墨西哥城 Museo Jumex 有史以来访客量最多的展览。和现成品艺术的创始前辈杜尚一样，Koons 这位现成品艺术在当代最著名的创作者保持着全球最家喻户晓的艺术明星地位。rtsy Editors
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