今年，世界上参观人数最多的现当代艺术博物馆庆祝其成立20周年。泰特现代美术馆（Tate Modern）从一座废弃的发电站转变为深受人们喜爱的英国文化灯塔，它定义了一代人，帮助艺术向普通人开放。
2000年，当泰特现代美术馆在伦敦开业时，许多人认为它标志着英国艺术界发生了翻天覆地的变化。艺术家Antony Gormley在接受《卫报》采访时表示：“这是英国艺术中巨大变革的开始，一场重新排序，一场文化能量的大风暴，它将摧毁所有旧的确定性，所有传统的法律、金钱和上帝的等级制度”。泰特现代美术馆如今是国际艺术界的一个主要机构，这样的情绪会或多或少地让人感到真实。
在泰特现代美术馆20周年之际，我们来回顾多年来泰特现代美术馆举办的20场标志性的展览。
1.
涡轮大厅第一场展览的选择
Louise Bourgeois：I Do, I Undo, I Redo, 2000
涡轮大厅是泰特现代美术馆最具特色的展厅，在21世纪之初以超现实主义的杰作拉开序幕。路易丝·布尔乔亚（Louise Bourgeois）沉浸在对法国童年的回忆中，她的想象力大得足以让涡轮大厅里满是她自己梦想的图像，被翻译成巨大的规模。螺旋楼梯带来了沉思的瞬间，一只巨大的蜘蛛侵入了前发电站的理性现代空间。布尔乔亚的研究表明，从潜意识中挖掘出来的强有力的意象，可以使最庞大的空间变得亲密和自白。成功的图像可以同时是壮观的和私人的。
将如此大尺度的雕塑放在博物馆内的想法是由建筑本身的工业规模决定的。在选择布尔乔亚时——策展人拒绝了一些明显的候选人，如Richard Serra和Jeff Koons。第一场的选择意在给博物馆打上全新的标签，而不是模仿MoMA或古根海姆。事实证明，这是一个非常成功的策略。但是，后来的艺术家能达到布尔乔亚的水准吗？要做到这一点，他们需要学习布尔乔亚的大师课：伟大的艺术需要巨大的想象力。
2.
Andy Warhol 必然不会缺席
Warhol, 2002
泰特美术馆的第一次轰动一时的回顾展让19个展厅挤满了金宝汤罐头、可乐瓶和名人，这些名人让安迪沃霍尔这个波普教皇的名字家喻户晓。
3.
将疯狂带入理性空间
Anish Kapoor Marsyas, 2002
在为2012年伦敦奥运会设计轨道塔的10年前，安尼什·卡普尔（Anish Kapoor）在涡轮大厅里安装了一个巨大的红色聚氯乙烯喇叭，从任何一个位置都不可能看到它的全部。
在希腊神话中，玛斯亚斯（Marsyas）是一个向阿波罗挑战音乐的森林之神。马斯亚斯吹着风笛，阿波罗弹奏着竖琴。向神挑战总是错误的。玛斯亚斯获胜，阿波罗剥了他的皮。
在艺术史中，提香曾用现实主义手法描绘过这个可怕的故事。卡普尔对其进行了彻底的改造，将玛斯亚斯的身体和他的乐器巧妙地融合在了一起。一根巨大的薄膜中空的角管，两端的开口像洞穴一样黑暗，就像身体的开口。这个巨大的有机乐器是令人毛骨悚然的深红色，就像马斯亚斯身上剥落的肌腱和肌肉——他裸露身体的血淋淋的美。
神话中的森林之神是代表淫欲和疯狂的生物。这就是为什么马斯亚斯不允许比阳光和理性之神阿波罗玩得更好：因为身体不能统治心灵。卡普尔的雕塑推翻了这一规则。酒神的狂喜和肉欲的力量，用葡萄酒般的红色入侵了凉爽的灰色涡轮大厅。
4.
艺术和摇滚再续前缘
PJ Harvey, 2003
2003年，多塞特郡的摇滚女王 PJ Harvey 身穿白色流苏紧身连衣裤在泰特美术馆演出，重新点燃了艺术和摇滚音乐之间的浪漫，这段浪漫曾随着地下丝绒乐队的消亡而消失。
5.
与艺术有关的最标志性的图像
Olafur Eliasson The Weather Project, 2003
在联合利华年度系列的第四次委托中，丹麦艺术家 Olafur Eliasson 将天空带入泰特美术馆，天空布满云彩，还有永不落的灿烂太阳。
室内闪烁的阳光使涡轮大厅充满了惊叹与敬畏，屋顶上的镜子扩大和扭曲了空间，人们躺在混凝土地板上为艺术狂欢。Olafur Eliasson 在美术馆里创作了一场幻境，宇宙壮丽的迷幻波使来访者神志不清。但这是一件严肃的艺术作品。埃利亚松是浪漫主义画家特纳的粉丝，他以惊人的效果把特纳带入了21世纪。我们凝视着无限的空间和光，思考着我们在宇宙中的位置。涡轮大厅变成了一个玄学和科学的剧场。
埃利亚松将博物馆内部的世界与外部的世界连接起来。他那用光线和镜子重塑自然的宏伟愿景有力地提醒我们，人类在心灵的最深处与自然世界紧密相连。想象力本身就是太阳的孩子。我们不仅需要它的光来生存，也需要它的光来思考。
6.
首位获特纳奖的女性艺术家
Rachel Whiteread Embankment, 2005
蕾切尔·惠特海德（Rachel Whiteread）凭借真实尺寸的作品——伦敦东部一座废弃的房子——成为首位获得特纳奖的女性。
2005年，蕾切尔在涡轮大厅里布置了14000个半透明的聚乙烯盒子，这些盒子一个摞一个，形成了塔楼和街区，最高点有12米高，游客可以在其间行走。这些立方体是由纸板箱内部铸成的，因为这件作品起源于艺术家在已故母亲的遗物中发现了一个破旧的盒子。把涡轮大厅当作一个巨大的仓库——艺术家说她当时一直在考虑《夺宝奇兵》的最后场景——这个作品表达了储藏、财产、容器和内部空间的概念。
7.
趣味性互动带来根本性的转变
Carsten Höller, Test Site, 2006
早在班克斯创作《Dismaland》之前，Carsten Holler 在涡轮大厅里竖立的螺旋状、乱七八糟的滑梯就把泰特现代美术馆变成了一个主题公园。滑梯从博物馆的上层展厅一直延伸到大厅，人们像在排队跳下悬崖一般，排队等待机会飞向地面。
在某种程度上，Holler 的装置是非常聪明的。他来到泰特现代美术馆，就像汉姆林的花衣魔笛手，释放了成人心中的孩子，并提供了自由，这也是一种训练——你必须享受这种乐趣。
他还改变了艺术的本质。自从测试现场以来，艺术装置中的互动已经变得越来越流行，在涡轮大厅和其他地方。Holler 做得最好。他的滑梯并不像看上去那样天真。它们的管状金属结构既束缚了自愿受难者，又解放了他们。这一切都很疯狂。
8.
直接改变了美术馆的建筑结构
Doris Salcedo Shibboleth, 2007
这件作品也被称为裂缝，也是第一件直接影响到美术馆结构的作品。
哥伦比亚艺术家多丽丝·萨尔塞多（Doris Salcedo）2007年涡轮大厅的委托创作，至今仍保留在这个空间里，在倾斜的地板上有一条模糊的填入的伤疤。
萨尔塞多使用涡轮大厅本身作为她的材料，而不仅仅是她的空间，并开裂了混凝土地板。“通过打开博物馆的地板，萨尔塞多暴露了现代性本身的裂痕”，泰特现代美术馆描述了萨尔塞多设想的巨大鸿沟，她自己说，该作品讲述了现代世界中种族主义和殖民主义的漫长历史。
9.
一生难得一次的体验
Rothko, 2008
2008年的马克·罗斯科晚期作品展中，看到马克·罗斯科的西格拉姆壁画——他最初为纽约西格拉姆大厦一层四季餐厅墙壁上画的宽大画幅，真的也是一生难得一次的体验。除了泰特美术馆自己收藏的9件作品外，还包括从华盛顿和日本的博物馆借来的另外几件作品。罗斯科的15幅忧郁的西格拉姆壁画最终团聚在一起。
这次展览是20年来英国首次展出罗斯科的大型展览，这样一大批伟大的画作的整体效果是迷人的。这是罗斯科最辉煌的时刻，他所画的抽象作品与伦勃朗的肖像画或透纳的风景画一样有价值。多年来，去一趟罗斯科展厅一直是参观泰特现代美术馆的最佳理由之一。
10.
伦敦第一次在博物馆展示街头艺术
Street Art, 2008
2008年5月23日开幕的街头艺术展，是伦敦第一个大型的公共博物馆街头艺术展览。泰特美术馆允许六位受都市主义启发的国际艺术家使用这座河岸建筑标志性的立面作为画布。他们包括来自意大利博洛尼亚的Blu；来自美国纽约的艺术家团体Faile；法国巴黎的JR；Nunca和Os Gemeos来自巴西圣保罗；Sixeart来自西班牙巴塞罗那。他们的作品都与城市环境有着错综复杂的联系。
泰特现代美术馆的街头艺术带来了艺术实践的一个重要方面，一个影响了著名艺术家，包括巴斯奎特和毕加索的因素。尽管街头艺术这个词从70年代后期就开始使用了，但就其本质而言，这种作品一直在不断变化，很难归类。广义上来说，这个词用来定义更具视觉化和吸引力的城市艺术，而不是基于文字的涂鸦和标签。
11.
最值得纪念的表演艺术作品
“Tania Bruguera: Tatlin’s Whisper #5” (2008)
古巴艺术家塔尼亚·布鲁格拉（Tania Bruguera）的《Tatlin’s Whisper 5》是在泰特现代美术馆首次展出的最值得纪念的表演艺术作品。在没有向毫无防备的游客发布任何通知的情况下，两个身穿制服的警察（一个骑着白马，一个骑着黑马）被带进展览空间。他们巡逻空间，通过使用至少六种人群控制技术来引导和控制观众。这些动作包括关闭画廊的入口，马的侧向运动推动观众向前，操纵观众进入一个单独的群体并包围它来收紧群体，与马的正面对抗，以及将观众分成两个不同的群体。
骑警使用的手段在大型公共活动中很常见。然而，艺术家敏锐地意识到，这种控制形式的体验会根据它们所遭遇的环境发生根本的变化。例如，在西方自由民主国家举行的体育赛事，与在更威权的政权下未经授权的政治示威活动，就大不相同。这部作品审视了精心设计的表演和嵌入现实中的经历，反映了权力代理人和他们想要控制的人之间的复杂关系。
这件作品最终被泰特美术馆收购，现在被认为是布鲁格拉最著名的作品之一。它也体现了泰特对以时间为基础的媒介，如表演、声音、电影和视频的承诺。
12.
比艾未未更出名的葵花籽
Ai Weiwei Sunflower Seeds, 2010
2010年，这位中国著名的概念艺术家和社会活动家用数百万手工绘制的陶瓷葵花籽覆盖了这个工业园区，这些葵花籽挑战了你所看到的和它所代表的意义。
这些葵花籽是在景德镇的各个作坊中制作和绘制的。“我成长的时代，向日葵是人们常见的地方象征，向日葵跟随着红太阳的轨迹，群众也须如此对他们的领导”，艾未未当时这样描述。“它不仅仅是一种零食，它是构成人们最基本需求和欲望的最基本的成分”。大量的陶瓷葵花籽的生产工作，必要的复杂性和技能，每一颗，都突出了在这个迅速变化的社会中并存的大规模生产和个体的独特性。
13.
被舞蹈团接管的艺术展厅
Michael Clark Company TH, 2010-2011
舞蹈和艺术一直是盟友，但当坏男孩的英国编舞迈克尔·克拉克和他的舞蹈团接管了涡轮大厅，他设定了更高的门槛。
在编舞项目的第一部分，迈克尔·克拉克和他的舞团已经在涡轮大厅住了7周，使他的作品的开发和排练第一次公开可见。这个舞蹈群体的存在已经把这个巨大的空间变成了一个实验和实践的舞台，突出了制作和表演克拉克作品背后的艺术和实践过程。
除了为舞团训练有素的舞者设计舞蹈动作，Clark还邀请75名非舞者参加每周的工作坊，以回应涡轮大厅公共空间独特的表演性质。
14.
涡轮大厅第一个以影像为主的创作
Tacita Dean, FILM, 2011
塔西塔·迪安（Tacita Dean）的涡轮大厅委托项目，简单地命名为《电影》，被投射到一个高耸的白色巨石上，观众在一片漆黑的空间里观看。这是涡轮大厅第一个以影像为主要媒介的创作。这部长达11分钟、完全无声的35毫米电影作品被泰特描述为“超现实的视觉诗歌”，包括自然的画面、艺术作品的隐喻和梦幻般的画面。
迪安在制作过程中耗费了大量的劳动和时间——作品中使用的大部分模拟胶片都是手工着色的——凸显了胶片制作是多么复杂，她希望展示“最纯净的胶片”。“对我来说，有一种时间的承重，是嵌入在真实的电影中——它的内在规律，更不用说它作为一种视觉艺术形式是多么美丽……它有我所说的 ‘中等电阻’，因为它总是会在4分钟或10分钟内耗尽。”
14.
必须不能少了草间弥生
Yayoi Kusama, 2012
这位古怪的日本艺术家以对点的痴迷而闻名，她举办了泰特所见过的最明亮、最大胆的展览之一，她的无限镜屋等作品都承载着某种超自然的效果。
那是一位真正独特的艺术家的一次多样而壮观的展览。她的作品在英国从未有过如此规模的展览，对草间弥生的粉丝和新接触到她作品的人来说都是一个不容错过的机会。
16.
一直在创造新的可能
The Tanks, 2012
2012年，泰特现代美术馆通过将其引人注目的油罐改造成英国首个用于表演和装置艺术的画廊空间，重塑了其工业建筑的薄弱环节。这些油罐不再发电，而是为艺术家和观众产生想法、创造能量和新的可能性。The Tanks 于2012年7月18日与“艺术在行动”一起揭幕，这是一个为期15周的表演和活动节。
17.
送给泰特的最慷慨的礼物
Cy Twombly Bacchus paintings, 2014
这是艺术家或基金会给泰特的最慷慨的礼物之一。根据2011年去世的美国艺术家塞·托姆布雷的遗愿，塞·托姆布雷基金会向泰特捐赠了一大笔作品。
这个礼物包括三幅大型的晚期画作，未命名的巴克斯（Bacchus）2006-8年，以及五个青铜雕塑，时间是1979-91年。它们可以单独展出，也可以一起展出，比如在泰特现代美术馆展出的这些作品。出于他对泰特美术馆的欣赏，托姆布雷决定将这些作品放在伦敦。
18.
一场破纪录的展览
Henri Matisse：The Cut-Outs, 2014
有些东西会随着时间的推移而变得更好，2014年美丽的马蒂斯剪纸作品展是泰特美术馆有史以来最成功的展览，打破了之前的所有记录，在4月到9月之间平均每天有3907名参观者。
19.
真正的戏剧是微观的
Abraham Cruzvillegas：Empty Lot, 2015
2015年，墨西哥艺术家亚伯拉罕·克鲁兹维勒加斯（Abraham Cruzvillegas）的作品《空地》在涡轮大厅里安装了一系列三角形木植物床。在为期6个月的展览期间，这些床被点亮并浇水，填满了来自伦敦各个公园的泥土。
在整个展览过程中，参观者可以看到这些植物床的变化，尽管没有专门种植的植物。“我们用小粘土碗作为第一层，然后堆肥，然后是来自公园的土壤，这就是一些潜在的东西的来源，比如隐藏的根”，Cruzvillegas在2015年说。“我并不是希望什么事情会发生，我只是希望它能持续下去。涡轮机大厅的规模令人印象深刻，但真正的戏剧是微观的。”
20.
关注黑人艺术家
“Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power” (2017)
《Soul of a Nation》的影响再怎么夸张也不过分，它展示了艺术在塑造20世纪六七十年代黑人平权运动的文化理解方面所发挥的重要作用。美国许多较小的机构都在考虑这一课题，但在这么大的国际机构中，这一课题很少被给予如此重要的平台。它有效地改变着艺术史，让一些直到现在还未被完全推崇的艺术家走到了风口上。
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