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岛袋道浩（Shimabuku）

2012-08-26 01:12:11　来源: 艺术眼artspy 作者：陈颖／编译

岛袋道浩（Shimabuku）

日本艺术家岛袋道浩（Shimabuku）1969年出生于日本神户，先后于1990及1992年毕业于大阪艺术大学及旧金山艺术学院。在自己还年轻的时候，岛袋道浩（Shimabuku）希望能成为一名诗人或是向导。在确信了艺术并不一定非要创作出作品，更应该产生一些与众不同的交集之后，他开始成功地将自己的两个职业结合到了一起。从那时候起，风格或是媒介成为了其作品中不那么重要的东西，而他的主要目标还在于将各种存在体结合到一起。这位艺术家会以日常生活为基础来创作装置、影像及行为表演作品，而这些作品又都使用了艺术家、作品与观众的概念之间复杂的关系。岛袋道浩（Shimabuku）利用他在无数的旅途中听来的各种各样的小故事来滋养他的作品，而这些故事则通过表演与活动的设立被他的朋友、陌生人、动物甚至是来自传说中的人物演绎了出来。在他的作品世界中，细节、词语的声音和名字的起源被集中到一起演变成了一种尤其独特的环境。生活中的一些小事物，如烹饪、水果和蔬菜、硬纸板箱等等都做过其行为表演、影像以及互动作品中的主角。这样的结果是美妙的，比如他为捕捉日出和海洋生物而拍摄的8毫米电影。

1990年，岛袋道浩（Shimabuku）在他的家里——当时他是住在美国的——举办了一场名为“冰箱里的展览（Exhibition in a Refrigerator）”的展览。他向人们解释了这个神秘的标题背后的故事：他的合租人不允许他在冰箱里放进任何类型的鱼类。直到有一天，岛袋道浩（Shimabuku）买来了胡瓜鱼和章鱼的触手，而合租人的反应让他着实吃了一惊：当合租人回到家时，他并没有生气，反而叫来了一个朋友一起盯着冰箱里的东西沉思了好一阵子，对它的各个方面做出了评价，分享了自己对它的感受和情绪。这便是这位艺术家的首场个展。

岛袋道浩（Shimabuku）是一位会收藏不寻常的邂逅的艺术家。受情景国际主义的启发，岛袋道浩（Shimabuku）在从大阪艺术大学与旧金山艺术学院毕业之后就前往日本、巴西、法国、荷兰及美国等国的海湾城市旅行。这位艺术家利用各种生物实验了所有类型的互动形式，目的在于推进有形事物与想象事物之间的界限。“如果重力从地球上消失了，那么一条章鱼和一只鸽子就会在同一个地方相遇”——这是岛袋道浩（Shimabuku）在名古屋博物馆中为他的作品“Encounter between an Octopus and a Pigeon”（1993）撰写的作品叙述中的第一句话：这是一场利用照片加以记录的表演。在这段文字中，岛袋道浩（Shimabuku）将这个项目与两种不同的现象连接了起来。他报道了一次与一位来自韩国的年轻女士在飞机里进行的讨论，讨论内容与嫁给一个拥有不同文化背景的人有关；而他同时还说明了名古屋博物馆周围到处都是鸽子这个情况。事实上，这些很显然没有什么关联的东西为一次意料之外的邂逅提供了基础。

岛袋道浩（Shimabuku）的作品通常与其构想的故事同时呈现出来，揭示了其意外扮演的重要角色。这些作品很有可能像故事那样被讲述给其他人，但它们同时还传达了一幅强有力的画面，将“角色”转变成真正的“形象”。于是艺术家构想了一只总是准时出现在各种情形下的章鱼。在作品“Octopus Road Project”（1991）中，岛袋道浩（Shimabuku）将章鱼放在一台冷却器中，然后带着这台冷却器从濑户内海一直走到了日本海。对这段冒险旅程的记录如同史诗一般，但最后却遭遇了一个悲伤的结局——他的章鱼没能从自己的“旅行条件”中幸存下来。

Born as a Box，2001

岛袋道浩（Shimabuku）的许多作品都给人以异想天开的感觉。创作于2001年的作品“Born as a Box”便是其中之一。由打印上了“日本大和运输公司（Yamato Transport）”的硬纸箱制成，它的上面海贴满了各种各样的邮票、贴纸以及包装胶带的碎片，看起来像是使用了很多年的样子。一部CD机在它僵硬的表面下方播放，仿佛是箱子在思考自己的“箱性”。当播放的CD快要完结时，箱子就开始变得哲学起来，声称“如果你认为生活是幸福的，那么它就会变得幸福起来”；随后毫无理由地以“我也喜欢乘坐电梯。我喜欢那种感觉。有的时候我会乘坐它，但我又不想在一天内乘坐太长的时间”这样的话语结束。这才是这件作品开始展开的地方。在延缓了我们对接受它存在的那个点的难以置信之后，我们被要求同时还需要接受它的神化、它对进入天堂的暗示。马克思在《Capital》中写道了关于这种类型的人类学-心灵论及其形而上学的含义的东西；他在其中提到一张桌子“一旦以一件商品的形式呈现出来…就被转变成了某种超然的事物”。而两者的区别在于马克思的桌子肯定是一件商品，而岛袋道浩（Shimabuku）的箱子则不是。然而后者却是一件商品被蜕下来的皮，某种不是用来盲目崇拜、而是用来遗忘的事物。也许这就是这件作品同时还具有某种令人悲伤的氛围的原因。

2005年岛袋道浩（Shimabuku）在Air de Paris画廊举办了个展“Catching octopus with self-made ceramic pots”。在这场展览中，岛袋道浩（Shimabuku）展出了一件在意大利Albisola完成的展览同名作品。这是一件带有影像以及由当地手艺人制作的陶瓷壶的装置作品。岛袋道浩（Shimabuku）到Albisola附近的海域钓鱼，正如意大利古时的人们以及艺术家故乡的渔夫所做的那样。这个项目既有趣又富含诗意，模糊了地理与文化之间的界限。在画廊较小的展厅中展出的另一件作品“Untitled”（2003）是一组幻灯片。这是一系列与“Catching octopus with self-made ceramic pots”截然不同的作品，它们展示了一个接一个的脏盘子。艺术家希望看到这件作品的观众能感到自己的饥肠辘辘从而无法对这些图像做任何美学上的评价。在这场展览的新闻稿中，岛袋道浩（Shimabuku）写道：“在Albisola能让我产生一种生在故乡的感觉，因为它和神户一样有海、有山，还有章鱼。当我在餐馆里看到有用章鱼做的菜时，我感到很惊讶。我开始想Albisola的人是怎样捕捉到章鱼的。在我的家乡，人们会用陶瓷来捕捉章鱼。他们只用在一条长绳子上固定好许多罐子，然后让它们沉到海里。整个过程不需要诱饵。当这个陷阱在24到48小时后重新取回时，就可以在罐子里面看到捕捉到的章鱼。这个方法利用来章鱼喜欢狭窄的空间这一习性。为我制作陶罐的手艺人Danilo告诉我意大利人在很久以前也是采用相似的方式。于是他和我决定按照古老的意大利以及我家乡的方式来做一些事，用自己制作的陶罐在今天的Albisola捕捉章鱼。”

“Catching octopus with self-made ceramic pots”

“Catching octopus with self-made ceramic pots”，Detail

Untitled，2003

Installation View of “From high in the sky to the bottom of the sea”

2005年岛袋道浩（Shimabuku）在巴塞罗那NoguerasBlanchard画廊举办了他在西班牙的首场个展“From high in the sky to the bottom of the sea”，展览展出了他以在巴塞罗那和日本进行的一些项目为中心创作的一件新作。“To Become an Octopus”（2005）是一个水平放置在地板上的巨大的泥壶。艺术家邀请观众通过泥壶的开口爬到泥壶里去，以此体验一下当章鱼被困在陷阱里的感觉。泥壶里展出了影像作品“Then, I decided to give a tour of Tokyo to the octopus from Akashi”（2000），这件作品则记录下了由岛袋道浩（Shimabuku）与一只活着的章鱼共同完成的从日本明石到东京的一段旅程。在旅程的终点，这只章鱼在它被捕捉到的地方重新被放回了海中——岛袋道浩（Shimabuku）希望它能与其它的章鱼分享这段经历。展览展出的另一件作品“Sketch to make Shima fly – Barcelona”（2005）则由记录下了在巴塞罗那海滩上进行的放风筝表演的视频投影组成。岛袋道浩（Shimabuku）在之前也曾做过类似的放风筝项目（分别是在2003年的威尼斯双年展上以及奥地利的Galerie der Stadt中），但与之不同的是，艺术家这次是单独进行表演的，他放飞了一只勾勒出了他自己的外形的风筝。艺术家在介绍这件作品时说：“将放风筝印上‘艺术’的标签会给成年人以再次与那些埋葬在他们内心中的童年时代产生联系的正式许可。艺术可以通过这种方式产生新的奇思妙想，同时释放出隐藏在这个世界中的美。”正如前面所提到的那样，“旅程”是岛袋道浩（Shimabuku）的作品中一个反复出现的主题，它同时还影响了其展览的叙述结构。岛袋道浩（Shimabuku）热衷于前往新的地方旅行，与新的群体会面；在其中，他可以通过当地的故事和传说来找到与完全不相干的人群进行联系的方式。岛袋道浩（Shimabuku）通常还会将艺术转变成一场游戏，而不同的人则变成了其中的玩家，他以这种方式来建立起关于差别和阶层的问题。

Then, I decided to give a tour of Tokyo to the octopus from Akashi，2000

When the sky was sea，2002

位于岛袋道浩（Shimabuku）作品中心的东西是一种能够使熟悉的东西变得陌生的诀窍。在2006年的表演-影像作品“Asking the Repentistas – Peneira & Sonhador – to Remix My Octopus Works”中，这位艺术家邀请了两位巴西的民间音乐家来阐释自己早期拍摄的在日本捕捞章鱼的录像，而最终成型的作品便是在圣保罗街头进行的一次奇异的“街头表演会话”。

Asking the Repentistas – Peneira & Sonhador – to Remix My Octopus Works，2006

在他的旅行中，岛袋道浩（Shimabuku）收集了一些特定场域的实际情况或者说是风俗——这些东西在外人看来太过陌生，但对当地人来说又由于太过熟悉而总是被忽略。创作于2007年的作品“Sunrise at Mt. ArtSonje”是岛袋道浩（Shimabuku）在那年春天进行自己的研究旅行时构想出来的。他在当时发现了ArtSonje Space（译者注：首尔的一间私人艺术博物馆，创立于1998年）从来未被使用并且已经被人遗忘了的屋顶空间，并且被自己站在那个“有利位置”时所观察到的不同的视角迷住了。受这段经历的启发，岛袋道浩（Shimabuku）开始考虑将这间博物馆当作一座山来进行处理，而它的屋顶就是山的顶点。他邀请了博物馆的员工“爬上”山顶共同观赏日出，而这对那些每天都在博物馆里工作的人来说却是一段意想不到而且新鲜的经历。许多展览或是活动都选择在下午或是晚上正式开始，岛袋道浩（Shimabuku）却认为值得尝试一下在早上开幕的感觉——这是我们日常生活中一段自由、放松的时间。于是他要求所有的人员在早上5点半时到达现场。为了对一些旧风俗简单的美学趣味进行反思，一位特别的主厨被邀请加入这次的“观赏日出活动”，他还在博物馆的屋顶上烹制了银光闪闪的带鱼。随后，岛袋道浩（Shimabuku）将带鱼用作了日光反射信号器里的镜子，尝试与那些未知生物进行联系——他希望通过对交流与审美传统的这种研究来找到一种创造新的语言与新的习俗的方式。

Sunrise at Mt. ArtSonje，2007

2007年岛袋道浩（Shimabuku）在伦敦Wilkinson画廊举办了个展“Fish & Chips”。展览同名作品“Fish & Chips”（2006）曾在2006年的利物浦双年展以及柏林DAAD画廊展出过。它是在水下拍摄完成的：在深海里，每一只不时游过的鱼似乎都被岛袋道浩（Shimabuku）故意放在自己面前的土豆吃了一惊。在这件作品中，炸鱼薯条这一典型的英国食物被转变成了一种幽默的“字谜”；然而这种明显十分荒谬的“邂逅”却最终促成了对日常生活中平凡的元素的仔细观察。2011年岛袋道浩（Shimabuku）在该画廊举办了他的另一场个展“My Teacher Tortoise”。创作于2011年的展览同名作品“My Teacher Tortoise”是这场展览的焦点。这件作品曾于同年在大阪国家艺术博物馆展出过，它具有岛袋道浩（Shimabuku）尖锐的叙述的典型特征。艺术家本人将这场展览定义为“思考‘停止’的一次机会”。好沉思与睿智通常是寓言中乌龟所具有的特征；而在这场展览的环境里，乌龟也相应地成为了岛袋道浩（Shimabuku）用来暗示“我们应该放慢速度、重新思考我们通常不太关心的对现状的鉴别”的象征物。

Installation View of “Fish & Chips”

Fish & Chips，2006

My Teacher Tortoise，2011

2010年4月岛袋道浩（Shimabuku）再次在Air de Paris画廊举办了自己的个展。同一时间在该画廊举办个展的还有法国艺术家皮埃尔·约瑟夫（Pierre Joseph）尽管这两场个展并不是以两人合作的形式进行的，但它们共享了相似的经济手段，并且产生了与哲学和审美有关的意义深远的问题。跟随日本料理最为尖端的实例——它们更注重风味与口感的多变而不是味觉效果——岛袋道浩（Shimabuku）对日常物品进行了深入地研究，在同一种产品或是不同物品的共同点中寻找差别。这种对自然充满诗意的观察成为了为学习生活的教训、挑战某人对品味和选择的标准以及对匆忙做出的结论进行再判定所提供的机会。这会让人联想到了法国激浪派艺术家罗伯特·费列欧（Robert Filliou）的《bricolage》（《…do something else…》），而岛袋道浩（Shimabuku）则提出了关于永恒的民间智慧或是禅宗的问题，系统化地阐述了像是“你如何接受自己不能了解的事物”和“做一些你并不打算去做的事”这样的问题。

岛袋道浩（Shimabuku）在展览“On The Water”上

2010至2011年期间，岛袋道浩（Shimabuku）受邀参加了由波尔多当代艺术博物馆与波尔多美术学院联合组织的驻留项目，而该项目的成果则以展览“On the Water”的形式在去年11月份时于博物馆里展出。这场展览以他在波尔多驻留期间发现的渔夫审美趣味为基础。正如之前所说的那样，岛袋道浩（Shimabuku）的作品以奇闻轶事为基础。正因为如此，他的存在也以也许有些边缘化或是随意的“小故事”为标志。这些日常生活里的微型事件引发了存在于其不同体系与装置的根源中的故事和图像，成为了装置作品或是记录影像。在波尔多参加驻留项目期间，岛袋道浩（Shimabuku）以自己的方式融入到了当地的遗留物中。通过与牡蛎的养殖人、火腿生产商以及餐馆所有人进行会面，岛袋道浩（Shimabuku）获得了能够跟随制作七鳃鳗（一种看起来像是鳗鱼的特别奇怪的鱼类，它们会周期地出现在加伦河的水面上）的每一个不同过程的特殊机会——从它在河岸被钓起来到烹饪好了盛放在盘子里。

“Can you clean a fish？”，2011

“Catching，Cooking，Eating Lamproie”，2011

在“On the Water”展览举办期间，岛袋道浩（Shimabuku）的另一场个展“人类应该尝试避免与外星生物体进行联系（Man should try to avoid contact with alien life forms）”也在Vassivière Island国际艺术与景观中心拉开了帷幕。在这场展览里，岛袋道浩（Shimabuku）用一系列的新作补充了他在过去15年里创作的作品选集。整场展览演变成了一种有趣而且生动的体验，而每一件展出作品都触发了一次能够将观众传输到艺术家独特的宇宙之中的眼花缭乱的体验。展览的名字引用自斯蒂芬·霍金对于外星生物将征服和占领地球的担心。而岛袋道浩（Shimabuku）则建议我们不应该担心与我们的生命形态完全不同的生命形态，相反我们应该对生存在我们周围的事物给予最大的关注度。

Man should try to avoid contact with alien life forms，2011

在2012年5月于NoguerasBlanchard画廊举办的个展“Leaves Swim”中，岛袋道浩（Shimabuku）展出来他最近的影像作品“Leaves Swim”（2011）及两件装置作品“Onion Orion”（2008）、“Something that Floats / Something that Sinks”（2008）。这场展览描绘了暗示性的魅力以及诗意。作品“Something that Floats / Something that Sinks”被布置在了展厅中央。通过对漂浮起来的水果与沉下去的水果进行的比较，这件作品揭示了岛袋道浩（Shimabuku）对日常生活物品蕴含的诗意以及内在于最平常的状态之中的奇异性的兴趣。用岛袋道浩（Shimabuku）自己的话来说，“有的西红柿浮起来了，有的却沉下去了。有的蔬菜浮起来了，有的却沉下去了。这是我在做饭时总是会注意到的事情，我总觉得它们充满了神秘感。因此我决定创作一件关于这种神秘感的作品——我保持了它们的神秘感，让观众能够‘原滋原味’地进行体验。”岛袋道浩（Shimabuku）总是会创作一些与食物或是烹饪有关的作品。对这位艺术家来说，艺术和烹饪都与看起来互不相关的成分进行意想不到地组合以产生某种可口或是赏心悦目的事物有关。正如之前所说的那样，人类、野生动植物或是现成物品之间的邂逅贯穿了岛袋道浩（Shimabuku）的整个艺术实践。作品“Onion Orion”同样强调了一个诗意联想的组合：它的灵感来自于词语“洋葱（onion）”与“猎户星座（Orion）”的相似性。这件利用洋葱制作完成的作品在展厅入口处勾勒出了猎户座里星体的排列情况。而展览同名作品“Leaves Swim”则呈现了在水下拍摄的一头海马的华丽影像，为观众呈现了一个充满了“异国风情”的场景——岛袋道浩（Shimabuku）的这件作品鼓励我们能够简单地去欣赏这种生物的美丽——这实际上是它在漂游的藻类中天然的掩饰工具。通过这一仍在进行中的艺术实践，岛袋道浩（Shimabuku）有趣地挑战了我们对界定不熟悉的事物的欲望，暗示艺术为接受这些不可思议的东西、欣赏未知事物的美丽提供了空间。